EJERCICIOS TALLER XVII

ACTORES ELEMENTOS

Un grupo de jugadores se convertirán en un elemento de la casa:

• una lavadora, un inodoro, una lámpara de pie, un reproductor de sonido, un lavabo, una nevera, una estufa, un aire acondicionado, un ventilador, una TV, una radio, una silla, una mesa, etc.
• Uno o mas comodines improvisaran una escena utilizando a sus compañeros como elementos y estos deberán adoptar no solo las formas si no también las funciones en el caso de electrodomésticos.
• Se tratara de representar el funcionamiento de cada objeto, con sus ruidos, sus movimientos ...
• En el caso de haber pocos participantes cada uno tendrá que asumir varios roles y tendrán que cambiar rápidamente de lugar y posiciones, para representar el elemento según corresponda el lugar a donde se encuentre el personaje

PELOTA CON CONSIGNA

Se trata de lanzar una pelota entre el circulo de participantes con el propósito de presentarse o bien conocerse entre los integrantes del taller.

Cada vez que se recibe el objeto se debe responder diciendo el nombre, los gustos, equipo de futbol, etc.

Pero todo esto con órdenes de improvisación.

Por ejemplo: el objeto tiene el poder de volvernos locos entonces la presentación la cumplimos bajo esa influencia. Puede estar helado o caliente entonces se debe deshacer lo antes posible del objeto, etc.-

EL LAZARILLO

Por parejas, uno con los ojos cerrados y el otro no.

• Este ultimo ha de llevar a su compañero por todo el espacio haciéndole reconocer por el tacto toda clase de objetos y personas tratando de adivinar
• Cambiar los roles al cabo de cierto tiempo.
• Igual al anterior, pero ahora se trata de que el que va con los ojos cerrados no tiene que tener ningún contacto con el espacio.
• Cambiar los roles al cabo de cierto tiempo.
• Ahora haciéndole realizar todo tipo de movimientos: correr, saltar, etc....
• Cambiar los roles al cabo de cierto tiempo.

CONFÍO EN LOS DEMÁS

El grupo forma un círculo, uno se coloca en el centro con el cuerpo rígido y los ojos cerrados. este se deja caer y sus compañeros tienen que ir aguantándolo y pasándoselo entre ellos.

NOS CONVERTIMOS EN OBJETOS

• Vamos caminando por todo el espacio y cuando el monitor dé una palmada nos transformamos en un objeto e intentamos adaptar la forma de este con nuestro cuerpo.
• Igual al anterior pero elegimos un objeto que tenga posibilidades de movimiento.
• Igual pero el monitor definirá el objeto en el que todos se transformarán según toque una, dos o tres palmadas.

CAEN GLOBOS

• Vamos paseando por el espacio e imaginando que caen globos del cielo.
• Al principio caen pocos, después a la señal del monitor caen más y después por todas partes. Hemos de intentar que los globos no toquen el suelo.
• Igual al anterior pero ahora el monitor nos dice con que parte del cuerpo hemos de pararlos: cabeza, codos, rodillas, hombros, puntas de los pies y nariz.
• Por parejas nos colocamos frente al compañero, tenemos que ir pasándonos los globos.
• Ahora lo pasamos y tenemos que recogerlo lo más alto que podamos.
• Igual al anterior pero lo más bajo posibles.

EL GLOBO PESADO

• Entre dos recogemos un gran globo que cae de lo alto 
• Lo transportamos por la sala
• El globo se irá haciendo más pesado.
• Después hemos de pasarlo a otra pareja
• Cada vez que se pasa a otra pareja el globo pesa más
• Cuando una pareja ya no puede con su peso lo dejará en el suelo.

(CONTINUACIÓN)

DICCIONARIO XVII

MELODRAMA: Según la etimología griega: drama cantado.

El melodrama es un género que surge en el siglo XVIII. Consiste en una obra en donde la música interviene en los momentos más dramáticos para expresar la emoción de un personaje silencioso.

El melodrama es un género popular que, al mostrar a los buenos y los malos en situaciones horribles o tiernas, apunta a conmover al público sin un gran esfuerzo textual, sino recurriendo a efectos escenográficos.

Surge hacia el 1797 y experimenta su fase más brillante hasta comienzos de 1820.

La división clara de los personajes entre buenos y malos hace que los mismos no tengan la más mínima elección trágica, estén modelados por buenos o malos sentimientos, por certezas y evidencias que no sufren contradicción alguna. Sus sentimientos y sus discursos se exageran hasta el límite de la parodia y provocan con facilidad la identificación del espectador, junto con una fácil catarsis.

Las situaciones son inverosímiles pero claramente trazadas: desgracia absoluta o felicidad inexpresable; destino cruel que termina por arreglarse (en el melodrama optimista) o que acaba sombrío y tenso, como en la novela negra; injusticias o recompensas realizadas en nombre de la virtud o el civismo.

El melodrama, a menudo, es situado en lugares totalmente irreales y fantásticos (naturaleza salvaje, castillo, isla, bajos fondos). Se ha criticado a este género porque produce en las clases populares una "catarsis social" que desalienta toda reflexión y contestación.

MELODRAMÁTICO: Adjetivo de melodrama (obra melodramática). Que produce un efecto de exageración y exceso de sentimientos en el texto, la actuación o la puesta en escena.

• El texto melodramático abunda en construcciones retóricamente complejas, en términos raros y afectados.
• El actor tiende a prolongar y acentuar el gesto, a dejar adivinar más que a expresar.
• La puesta en escena inmoviliza los momentos patéticos en cuadros vivientes, favorece la identificación provocando la emoción; contribuye, en la escena ilusionista, a la fascinación del espectador.

MOJIGANGA: La mojiganga es un género dramático menor del Siglo de Oro español.

Consiste en un texto breve en verso, de carácter cómico-burlesco y musical, para fin de fiesta, con predominio de la confusión y el disparate deliberados, explicables por su raigambre esencialmente carnavalesca.

La mojiganga es un espectáculo en la que se mezcla el entremés, la danza, y la música

MONÓLOGO: Es el discurso que pronuncia un personaje, que se halla o cree hallarse solo en escena y en el que expresa su estado de ánimo o sus proyectos y pensamientos.

MONTAJE: Término que proviene del cine pero que también suele utilizarse por la gente de teatro, la crítica o el público, como sinónimo de puesta en escena y/o de espectáculo (particularmente desde mediados de nuestro siglo). A la vez, se utiliza el verbo montar (una obra, un espectáculo) para designar la acción y los trabajos de puesta en escena o de preparación de un espectáculo.

MORCILLA: Añadidos improvisados al texto.

MUTIS: Salir de escena.
MUSICAL: Genero teatral donde la acción predomina en forma cantada o musical o sonora.

NATURALISTA: describe minuciosamente la realidad, con indudable complacencia incluso en los aspectos más ingratos de ella. Los conflictos del instinto, las pasiones, la miseria, el vicio, las desigualdades sociales, acompañadas de un sentido pesimista de la vida.

OFF: Voces o sonidos presentes en escena sin que se muestre la fuente emisora.
ONOMATOPEYA: Consiste en imitar sonidos reales

ÓPERA: Es un drama musical cantado por los actores. Puede ser trágica o cómica, e incluir recitativos. Ejemplos hay muchos. En el siglo XIX, en Italia se escribieron, entre otras, la Traviata y Rigoletto, por Giuseppe Verdi; y El barbero de Sevilla, de Joaquín Rossini. En Alemania Tristán e Isolda y Parsifal, de Richard Wagner. En Francia, Carmen, de Georges Bizet.

OPERETA: Más breve que la ópera, trata generalmente temas de amor, con más música que recitación, desarrollados en forma optimista, sentimental y picaresca. Un ejemplo es El murciélago, de Johann Strauss.

ORQUESTA: área semicircular delante del escenario donde se ponían los músicos.

PANTOMIMA: (Del griego pantomimos, que lo imita todo).La pantomima es un espectáculo compuesto sólo por los gestos del actor.

PAPEL: 

• El conjunto de texto dramático y acción escénica correspondientes a un personaje y asumidos por un actor.
• El personaje tal como la concibe e interpreta un actor concreto: el papel de traidor, de avaro, de Hamlet, de Medea, etc.

PARLAMENTO (O TIRADA): Réplica de cierta extensión que forma un todo y a menudo se organiza retóricamente en una sucesión de oraciones, preguntas o argumentos.

(CONTINUACIÓN)

ESTAS SON MIS FUENTES:

http://www.teatro.meti2.com.ar/diccionarios/glosarioteatral/diccionarioA/diccionarioA.htm

DICCIONARIO DEL TEATRO – Patrice Pavis

HISTORIA DEL TEATRO XVI

EL TEATRO EN EL SIGLO XIX

Si atendemos a la evolución de las tendencias artísticas -y por lo tanto del teatro- a través de los siglos, parece que ésta siguiera una ruta de sur a norte.

• El Renacimiento nace en Italia
• en el siglo XVII Francia marca la diferencia
• el romanticismo del XVIII nace en Alemania
• y las nuevas ideas del XIX provienen de países más fríos del norte (Noruega, Suecia). Aunque esta renovación se produce muy avanzado el siglo, es en estos países donde surgen las modernas ideas revolucionarias, la preocupación por el individuo y sus dramas personales y sociales (proletariado, explotación ...)

   

Apasionado por el problema de la libertad interior, el noruego Henrik Ibsen (1826-1906) lleva a la escena dramas familiares. Entre los problemas sociales que más le preocupan adquiere gran relieve el de la liberación de la mujer, tema que le proporciona excelentes desarrollos dramáticos.

Otro nombre estelar del teatro nórdico es el del sueco AUGUST STRINDBERG (1849-1912). La guerra de sexos, las tensiones entre lo viejo y lo nuevo  -como en “la señorita Julia”-, la desorientación de las clases altas frente a los intentos de renovación de las clases populares…, son, en principio, sus principales temas teatrales.

Por otra parte su personalidad esquizofrénica influyo en su temática y su modo de escribir. En ese contexto escribió una extensa obra, Camino de Damasco, en la que las alucinaciones crean un mundo interior que es necesario un cierto simbolismo para escenificarlo. 

Aún se podría decir más sobre su siguiente obra, “El sueño” que cabe conceptuar de precursora del teatro surrealista.

Los gustos teatrales tratan de apartarse de las exageraciones románticas y pretende un teatro más realista de ambientación contemporánea. Aunque su «realismo» es muy limitado, porque refleja de forma muy moralizante un mundo burgués convencional, sin profundizar en las personas ni en sus auténticos sentimientos e inquietudes.

Este realismo evolucionará hacia lo que se ha dado en llamar Naturalismo que trata de analizar el comportamiento humano y sus causas personales y sociales

Para ello, retrata a los personajes sin restringir ningún tipo de pasiones ni de ambientes sociales, lo que causó cierto escándalo en la mentalidad burguesa.

Para conseguir esos objetivos de realismo y naturalismo se utilizan los siguientes mecanismos:

     a. Los decorados deben proporcionar al espectador la ilusión de realidad.

     b. El actor ha de vivir el personaje como si fuera auténtico, como si fuera la misma persona.

     c. Debe conseguirse que el espectador olvide que está en el teatro.

    

El teórico más destacado de esta tendencia naturalista es CONSTANTIN STANISLAVSKI (1863-1938), autor que formuló la famosa “teoría de la cuarta pared”, según la cual el actor debe llevar a cabo su interpretación olvidándose totalmente del público, como si estuviera en una habitación rodeado de cuatro paredes y nadie pudiera verlo.

Él fue el creador del famoso “Método Stanislavski” que revolucionó la interpretación en el teatro y en el cine en el siglo XX. Stanislavski desarrolló su técnica con el fin de hacer que los personajes se vieran “vivos” en el escenario. Para lograr esto, invertía bastante tiempo en ensayos enfocándose en la vida interna de los personajes.

Según el método de Stanislavski, el actor debe recrear los sentimientos que, en una situación dada pueden experimentar los personajes, acudiendo a su experiencia personal, “reviviendo” las sensaciones que el haya sentido en momentos similares.

El desarrollo de la puesta en escena, apoyado en los nuevos hallazgos técnicos, de maquinaria y sobre todo la iluminación, aporta aspectos realistas al teatro, al tiempo que se tiende a una mayor naturalidad en la interpretación y en la presentación escénicas.

Esa tendencia al realismo exige solidez en los textos, y halla su mejor acomodo en la utilización de la bocaescena, que estrecha el contacto entre el espectador y los actores, el escenario quedará constituido como un cajón en el que la cuarta pared la constituye el público

(CONTINUACIÓN)

MIS FUENTES:

https://docs.google.com/document/d/1Ik0PGzqNDvC7Fio2kE1EpNWNS-5mc-lOOWVa2tsm5vo/edit

http://www.nicolacomunale.com/teoria.escenica/his_teor_esc.html#1

 HISTORIA BASICA DEL ARTE ESCENICO

CESAR OLIVA , CATEDRA, 2005

DICCIONARIO XVI

FOSO: Parte del teatro que se extiende por debajo del escenario. Allí se disponen otros elementos de decorado de mucho peso para estar suspendidos. Sirve también para otros usos, como apariciones de personajes a través de una escotilla, etc. Actualmente son pocos los teatros que tienen foso y, de estos, muy pocos lo utilizan.

FUTILERIA: Elemento de escena de poca importancia que no aportan nada a la acción o a la escena.

GALÁN: Actor que representa papeles de hombre joven y agraciado.

GELATINA: Pantalla de color que se coloca delante de las luces para darles las tonalidades deseadas.

HISTRIÓN: 

• El que representaba disfrazado en la comedia o tragedia antigua.
• Actor teatral
• Volantín, jugador de manos u otra cualquiera persona que divertía al público con disfraces.
• Persona que se expresa con afectación o exageraciones propias de un actor teatral.

HOMBRO: desahogo. Cada uno de los espacios laterales del escenario escondidos de la vista del público

IMPROVISACIÓN: Se llama improvisar el representar, sin papeles aprendidos, sobre un tema previamente conocido. Típico de la Commedia dell’arte. Lo llamaban los cómicos de la Commedia: recitar sobre un argumento, “recitare a soggetto”. Componer en forma espontánea, siendo la creación y la ejecución en forma simultánea.

INTERMEDIO: Es la pausa que hay entre dos actos. El intermedio suspende la representación, pero no la acción, porque se puede fingir que siguen sucediendo aquellas cosas que no se podrían mostrar o también el paso del tiempo en días, meses o años.

INTRIGA: Del Latín intrincare. Conjunto de incidentes que forman el nudo de la obra. La intriga puede verse también como una combinación de circunstancias, incidentes, intereses y caracteres que, en la expectativa del acontecimiento, ocasionan la incertidumbre, la curiosidad, la impaciencia, la inquietud, etc.

IRONÍA: Del griego euronia, disimulo. Hay ironía cuando un mismo enunciado revela, más allá de su sentido evidente y primario, un sentido profundo, a menudo contrario al primero. Ciertos signos (entonación, situación, conocimiento de la realidad descrita) indican, de una forma más o menos directa, que es preciso ignorar el sentido evidente para reemplazarlo por su contrario.

LIBRETO: Texto dramático a representar.//Texto dramático distribuido a los intérpretes para su memorización, entregado también al personal técnico.

LOA: La loa es un subgénero dramático o teatral cultivado en el Siglo de Oro español.

Se trata de una composición breve en verso que se escenificaba antes que el primer acto o jornada de una comedia. Al principio era un monólogo; luego se transformó en un diálogo con una mínima acción dramática. Se precedía de unos tonos musicales, cantados a veces, con guitarras, vihuela y arpa, que se reiteraban tras su fin.

Servía de preámbulo a la pieza teatral para predisponer positivamente al público elogiando el lugar y a sus vecinos y al santo del día; encarecía el mérito de los actores o de la compañía, presentaba su repertorio, pedía indulgencia ante los posibles errores, y resumía o explicaba brevemente el contenido de la pieza sin anticipar su conclusión.

Con posterioridad a Lope de Vega la loa se fue independizando por contagio de otras formas de teatro menor, como el entremés, pasó del monólogo al diálogo y adquirió una cierta acción dramática.

MAQUILLAJE: El maquillaje también puede funcionar como máscara, especialmente en el teatro oriental, donde se pintan las caras con colores muy elaborados e imágenes que exageran y distorsionan los rasgos faciales. En el teatro occidental, el maquillaje es utilizado con dos propósitos: resaltar y reforzar los rasgos faciales que podrían perderse bajo los focos o en la distancia, y alterar la apariencia de la edad, el tono de la piel, o la forma de la nariz.

MÁSCARAS: Un elemento especial del vestuario es la máscara. Aunque pocas veces utilizada en el teatro occidental contemporáneo, las máscaras eran esenciales en el teatro griego y romano, y hoy día son utilizados en la mayoría del teatro africano y oriental. Las máscaras de la tragedia y la comedia, tal y como se usaban en el antiguo teatro griego, son de hecho símbolos del teatro. 

(CONTINUACIÓN)

ESTAS SON MIS FUENTES:

http://www.teatro.meti2.com.ar/diccionarios/glosarioteatral/diccionarioA/diccionarioA.htm

DICCIONARIO DEL TEATRO – Patrice Pavis

EJERCICIOS TALLER XVI

OBJETIVOS:

desinhibición

espontaneidad

espontaneidad oral

Flexibilización de la concentración

Fluidez verbal y de concentración

capacidad de desarrollar ilusión de realidad

sentido del ridículo

estimular reflejos

potenciar la intuición

potenciar la capacidad de captación de estímulos externos

activar la compenetración entre actuantes

aguzar la espontaneidad expresiva

fomentar la habilidad para el cambio de situaciones

estimulación de la expresión verbal

estimulación de la expresión corporal

poder de concentración

desarrollo de la espontaneidad expresivo-motora

concentración en la acción, por el oído

comprensión gestual mutua, atención y sincronización

expresión de sentimientos con el rostro

expresión visual

expresión y comunicación de contenidos propios de la personalidad

expresión de acciones con todo el cuerpo

coordinación de grupo

desarrollar la capacidad de sugestión

acudir al subconsciente

probar la capacidad del cuerpo para recordar sensaciones

poner a prueba la capacidad de retentiva al tiempo que se está pendiente de la dramatización

establecer contacto entre los actuantes en la intercomunicación de sus actitudes

lograr la relajación corporal por desplazamiento de la concentración de la conciencia del propio cuerpo hacia un objetivo exterior

aprender a conocer la potencialidad expresiva que se oculta detrás de un cuerpo habituado a movimientos mecánicos y rutinarios.

comprender que se imprime la huella personal cuando uno se expresa a partir de su propia experiencia

desarrollar el sentido de la concentración

EJERCICIOS:

  

DIRECTOR VOCAL:

Los actores se colocan como en un coro

El coordinador se coloca frente a ellos como si fuera un director de orquesta

El "director trabajara con las palmas y los brazos":

Cuando él tiene la palma abierta, los participantes emiten: AAAAAAA

Si el coordinador presenta un puño los participantes dirán: OOOOOOOO

La palma abierta con los dedos hacia arriba puede ser: IIIII

Si el coordinador baja los brazos los participantes bajan el volumen

Si el los sube, ellos suben la voz hasta donde el lo indique.

Asi, se intenta hacer una canción vocal.

Se pueden hacer mas combinaciones, Ejemplo:

• si el coordinador llega con sus brazos al suelo la consigna es "silencio total
• si estira sus brazos es el grito más poderoso posible, siempre manteniendo la vocal.
• Otra combinación interesante es dividir el coro en dos "izquierda" y "derecha" marcada por cada brazo respectivo del coordinador
• A medida que pasan las clases se le pueden agregar mas códigos al ejercicio

LAS PUERTAS NARRADAS: 

Los jugadores se disponen un círculo, uno de los jugadores y se dirigirá a cada uno haciendo como  que abre una puerta ante cada jugador en ronda y éstos lo sorprenderán con una improvisación que el coordinador ira narrando

Ejemplo:

• Suena el timbre abro la puerta con miedo (El protagonista se dirige a un jugador de ronda y simula llamar a la puerta, el otro abre con miedo)
• Se encuentra con su amigo (el protagonista improvisara saludo)
• Pero su amigo no contesta aunque trata de hacerlo (el jugador de ronda improvisa gestos y sonidos guturales)
• Su amigo lo sacude, trata de que hable (el protagonista  improvisará textos sobre la situación)
• El dueño de la casa trata de decirle que tiene un cuchillo clavado en la espalda (improvisar a continuación toda una historia corta y precisa.)

IMPROVISACIÓN SIGUIENDO UN RELATO: 

En primer plano un periodista sentado mirando al público; fuera de escena se encuentra un grupo. El periodista, irá relatando noticias de cualquier tipo. Al concluir cada noticia el periodista dirá “vamos al lugar del hecho”, de esta forma habilitará al grupo que entonces representará el suceso.

Una variante de este ejercicio es que el periodista diga “vamos a la publicidad” y relate las propagandas. Entonces, el grupo las dramatizará.

Éste es un ejercicio de pura adaptación, por lo que no es necesario que las noticias o las publicidades estén escritas o previamente pensadas. Un dato importante es que no se le debe dar tiempo previo a los grupos para que verbalicen la organización de la dramatización.

DE ANIMAL A HUMANO ANIMAL: 

• Se elige un animal
• Se deberá observar, copiar sus movimientos, sus gemidos, etc.
• Después transformaremos al animal en persona; Sin perder sus características del animal, tanto en sus movimientos como en sus gestos, su voz o su manera de andar lo humanizaremos e improvisaremos un monologo en esa forma. 

Por ejemplo:

• Elegimos un gato
• Veremos su forma de caminar, ronronear, su manera de mover la cabeza, su manera de mover su cuerpo….
• ¿Cómo andaría ese gato, si fuera humano?
• ¿Cómo hablaría?
• ¿Como respondería ante determinadas actitudes siendo un gato humano que encuentra un pajarito y luego a un perro?
• etc

 LA CUERDA ES NUESTRA RESPIRACION: 

• Simular que somos muñecos a cuerda
• un compañero simula que nos da cuerda
• cuando nos está dando cuerda respiramos profundamente y contenemos la respiración
• al terminar de darnos cuerda improvisaremos un texto o un poema con todo el aire que tengamos como cuerda
• Al terminar el aire terminara nuestra cuerda y nos inclinaremos como muñecos apagados o sin cuerda
• El tiempo y la energía que tengamos para movernos dependerá de la cantidad de cuerda-aire que tengamos.
• El que da la cuerda hace un sonido. 

(CONTINUACIÓN)

ESTAS SON MIS FUENTES:

https://www.google.com/url?sa=t&rct=j&q=&esrc=s&source=web&cd=1&ved=0CCwQFjAA&url=http%3A%2F%2Fxa.yimg.com%2Fkq%2Fgroups%2F14156183%2F2114740552%2Fname%2FManual%2Bde%2Bejercicios%2Bteatrales.doc&ei=-E9WUuzJFbKu7AbFo4CABw&usg=AFQjCNEPW6647vFQHZGhD0F3gwaBPDTnUw&sig2=qVgY74Hbl-8gns3KKcNJBg&bvm=bv.53760139,d.ZGU&cad=rja

http://www.buenastareas.com/ensayos/Teatro/39465790.html

MANUAL DE JUEGOS Y EJERCICIOS TEATRALES  -- Jorge HOLOWATUCK y Débora ASTROSKY

HISTORIA DEL TEATRO XV

XI PANORAMA GENERAL DE LA ESCENA EUROPEA EN EL SIGLO XVIII Y MEDIO

• A lo largo del siglo XVIII nos encontramos ante la pretensión de hacer evolucionar el espectáculo cortesano y aristocrático hacia otros modos que reflejen en escena los problemas de las masas, con el fin de conseguir que el gran público frecuente las salas de teatro. Es en ese momento cuando el organizador de espectáculos pasa a ser un auténtico director de escena, montando de manera totalmente original los materiales escénicos, integrándolos en un orden teatral nuevo.. aunque dejando el máximo protagonismo al actor que se convertirá poco a poco en protagonista del hecho escénico llegándose incluso a sacralizar y a adaptar las obras de teatro a su personalidad.

• El teatro venía de un siglo con grandes autores, y se encontraba con el complejo de que ya no había autores de la talla de Shakespeare y Moliére. Seguramente por eso y por la libertad de acción del director, se apoyaba cada vez más en un enorme ejercicio de tramoya para su desarrollo, dando lugar a las comedias de magia. En las comedias de magia los recursos de tramoya tenían principal protagonismo: encantamientos, duendes, diablos, enanos que se convertían en gigantes, peleas..., estaban a la orden del día, sucediéndose sin cesar.

• El teatro prerromántico lleva al escenario las tensiones de la sociedad y los conflictos existenciales del hombre, pero ambientadas en el pasado histórico o legendario de la Edad Media. Es un teatro de intrigas complicadas, de fantasmas, de bosques encantados, de ruinas grandiosas y, por supuesto, de amor y de muerte.

• Los dramas románticos se caracterizan por:
• El tema principal suele ser el amor, marcado por un destino trágico.

• También hay una preferencia por temas históricos, legendarios y caballerescos.

• Los protagonistas encarnan la idea de libertad.
• El héroe romántico es un personaje misterioso que busca la felicidad, pero a quien persigue la desgracia. Es un seductor y un rebelde que no acepta normas ni imposiciones y que tiene algo diabólico.

• La heroína romántica es una mujer, capaz de dar su vida por amor; con frecuencia sufre por su causa.

• El autor demuestra una importante preocupación social, pues escenifica los conflictos de su tiempo: la primacía del individuo sobre los códigos morales, la lucha por la libertad política, las pasiones y los conflictos del alma humana, etc.
• La acción se suele situar en épocas pasadas.
• Los ambientes preferidos son los medievales, los paisajes inhóspitos, los cementerios, los escenarios nocturnos con tormentas.

• El predominio de los efectos visuales en detrimento de la acción teatral ya que los nuevos inventos técnicos (gas, máquinas elevadoras, escenarios giratorios) se incorporan a los dramas y los teatros compiten por conseguir los efectos escénicos más sensacionales.

• Su objetivo no es otro que el de conmover al espectador.

• Los actos ya no son tres de forma obligatoria.
• No se acepta la regla de las tres unidades: espacio, tiempo y acción.
• Mezclas de lo trágico con lo cómico, de la prosa con el verso, de las burlas con las veras...

• La importancia de los monólogos, pues a través de ellos se da a conocer los sentimientos más íntimos de los personajes.
• Todo esto está definiendo un nuevo género: el Melodrama
• Personajes del melodrama:
• el personaje maduro, que ha pasado por desgracias sin cuento;
• la muchacha desvalida cuya vida y honra pueden correr graves peligros a manos del traidor y sus compinches,

• los malos, hipócritas de la más baja calaña (pues en el melodrama los malos han de ser muy malos, y los buenos deben tener un corazón de oro)
• naturalmente, no falta el héroe bueno, representado frecuentemente por un joven caballero, apuesto y valiente, cuya misión será castigar al traidor y acabar proponiendo el matrimonio a la joven por él liberada.

• En el terreno de la técnica aparecen modernas funciones dramatúrgicas en la escenografía. Los espectadores gozan de nuevos efectos escénicos, gracias a las maquinarias que se instalan definitivamente en escenarios que reúnen condiciones para ello: fondos, laterales y, sobre todo, telares, para poder hacer mutaciones con cierta rapidez. Es el final del corral de comedias y el principio de los teatros a la italiana.

• Otra aportación importante fue el gas. En algunos teatros permitió reducir la iluminación de la sala a una suave penumbra para centrar la atención del espectador en la escena. Sin embargo, la verdadera novedad técnica de la iluminación a gas no fue la mayor intensidad de luz que permitía, sino el cuadro de control. Se trataba de una plancha metálica o “tablero” en la cual se encontraban todos los robinetes que alimentaban cada una de las unidades iluminantes o luminarias.. Con él resultaba fácil regular la iluminación, interrumpirla, etc.

• Quizá el mito más importante, más representativo del teatro romántico sea “Don Juan Tenorio”. Durante un siglo ha sido la obra más representada del teatro español. Y todo por tener un héroe cargado de elementos románticos; el mayor de ellos, e! redimir con el amor su condición de burlador, y el consiguiente perdón divino

(CONTINUACIÓN)

MIS FUENTES:

https://docs.google.com/document/d/1Ik0PGzqNDvC7Fio2kE1EpNWNS-5mc-lOOWVa2tsm5vo/edit

http://www.nicolacomunale.com/teoria.escenica/his_teor_esc.html#1

HISTORIA BASICA DEL ARTE ESCENICO

CESAR OLIVA , CATEDRA, 2005