martes, 15 de octubre de 2013

HISTORIA DEL TEATRO IV


Tres son los géneros dramáticos griegos: el DRAMA SATÍRICO, LA TRAGEDIA Y LA COMEDIA. Los dos últimos servirán de norma a las variantes habidas en el teatro occidental.
Poco es lo que sabemos del DRAMA SATÍRICO. Poco es también lo que de él nos queda: “Los sabuesos”, de Sófocles; “El cíclope” de Eurípides y algunos fragmentos de Esquilo.

  • Tiene grandes parecidos con la tragedia, tanto en su estructura formal como en su temática de carácter mitológico. Pero se diferencia de la tragedia en el tono y en la composición del Coro, integrado por sátiros

  • Por su fondo y su forma, se podría considerar como una tragedia divertida en la que el Coro de sátiros sería el componente básico y esencial; o como un drama grotesco.

  • Los sátiros iban vestidos con pieles de las cabras sacrificadas a Dionisos. De este animal son igualmente otros atributos: cuernos, cola, pezuñas... Los sátiros personifican las fuerzas de la naturaleza, particularmente las fuerzas pasionales que conducen a la procreación; de ahí que hayan pasado a la posteridad como símbolo de las pulsiones eróticas.

No hay acuerdo sobre el origen del término TRAGEDIA.

  • Se distinguen en ésta la raíz de "macho cabrío" (τράγος / trágos) y cantar (ῳδία), sería por lo tanto "el canto del macho cabrío", quizás en referencia al premio que era dado al vencedor del certamen trágico (un macho cabrio); o el sacrificio de este animal sagrado a Dioniso, que frecuentemente acompañaba la fiesta en honor al dios.
  • Habría sido Esquilo quien fijó las reglas fundamentales del drama trágico. Al introducir un segundo actor, hace posible la dramatización de un conflicto;a él mismo se le atribuye la introducción de máscaras y coturnos. Por otra parte, con él la tragedia empieza a ser una trilogía.


  • En su estructura cabe distinguir:
  • El prólogo, secuencia inicial que anticipa, en forma dialogada o monologada, la historia trágica.
  • El parodos o canto de entrada del Coro.

  • Los episodios, que serían como los actos o cuadros del teatro moderno. Estos episodios suelen estar separados por cantos del coro.

  • De estos episodios, el último, formado por la salida del Coro, recibe el nombre de éxodo.


En la COMEDIA nos encontramos con una alternancia de recitados y cantos del Coro parecida a la de la tragedia. Pero existen diferencias importantes entre estos dos géneros. La comedia critica de modo virulento a los personajes públicos y satiriza las costumbres. Su estructura es la siguiente:
  • Prólogo como la tragedia
  • Parodos como la tragedia
  • Agón: es su primer episodio, consiste en una escena de disputa, entre dos adversarios a favor y en contra del tema central dela obra, de la que saldrá triunfante el actor que representa las ideas del poeta.

  • Parábasis: durante una salida temporal de escena de los actores, los componentes del Coro se quitan los mantos y las máscaras, se vuelven a los espectadores y avanzan hacia ellos, cantando temas que a veces nada tienen que ver con la obra.
  • Episodios separados por breves cantos del coro que a veces continúan la línea de la trama principal, aunque por regla general se limitan a ilustrar la conclusión que se desprende del agón
  • Éxodo: escena final, en la que la nota predominante es la alegría, que generalmente da paso a una boda o a una fiesta


ESTAS SON MIS FUENTES:



HISTORIA BÁSICA DEL ARTE ESCÉNICO
CESAR OLIVA , CÁTEDRA, 2005

lunes, 14 de octubre de 2013

EJERCICIOS PARA TALLER II



CONOCIMIENTO DE COMPAÑEROS CON PELOTA:
Todos se ponen formando un corro y se lanzarán la pelota de unos a otros sin ningún orden establecido siguiendo los siguientes criterios (se pueden añadir nuevas modalides):
·  Sin ninguna condición
· A cámara lenta
· A cámara lenta diciendo claramente su nombre
· A cámara lenta diciendo claramente su nombre y un color (una vez elegido color deberá repetir, cada vez, el mismo color con su nombre)
· A cámara lenta diciendo claramente su nombre, su color y el nombre del que recibe (cuando el lanzador se equivoque habrá que devolverle la pelota al mismo diciendo el nombre correcto)
· Igual que el anterior pero añadiendo el color
· Introducir varias pelotas sucesivamente ...


COORDINACIÓN DE LIMITACIONES DE COORDINACIÓN:
· Hacer un círculo, en el aire, con la mano derecha en el sentido de las agujas del reloj
· Hacer un círculo, en el aire, con la mano derecha en sentido contrario a las agujas del reloj
· Hacer un círculo, en el aire, con la mano izquierda en el sentido de las agujas del reloj
· Hacer un círculo, en el aire, con la mano izquierda en sentido contrario a las agujas del reloj
· Hacer las dos figuras a la vez en el sentido de las agujas del reloj
· Hacer las dos figuras a la vez en sentido contrario a las agujas del reloj
· Hacer las dos figuras a la vez en sentido contrario con cada mano


RELACIONES:
Por parejas, y los demás observando, relacionarse de los siguientes modos:
· con la mirada sin reírse - de 5 a 10 segundos
· saludarse tras una larga ausencia - de 5 a 10 segundos
· invitar al otro a pasear, cogerse del brazo y pasear gesticulando como si hablasen - de 10 a 15 segundos
· invitar a bailar y hacerlo - de 15 a 20 segundos


SOBREACTUACIÓN:
Todos en círculo, el coordinador propone las diferentes consignas que todos realizarán al mismo tiempo y exageradamente. Por ejemplo:
· llanto de la novia abandonada
· disparo al enemigo en película de vaqueros
· desmayo de obra trágica
· devorado por un gran animal
· carcajada del malo de película
· derretido por lava ardiente
· gol que define el campeonato
· persecución visual de mosquito
· arcadas
· etc.

ESTAS SON MIS FUENTES:

MANUAL DE JUEGOS Y EJERCICIOS TEATRALES  -- Jorge HOLOWATUCK y Débora ASTROSKY

domingo, 13 de octubre de 2013

ESCENOGRAFÍA II


BREVE HISTORIA

En la antigua Grecia ya se usaron esculturas, pinturas y objetos para adornar el escenario. También aparece la primera maquinaria (telones de fondo, plataformas móviles, escotillas y escaleras) para sugerir los lugares de la acción (palacio, fortaleza, el olimpo de los dioses).
Principales elementos de su escenografía:
· Pinakes: tableros pintados usados como decoración
· Periaktoi: prismas giratorios
· Eccyclema: plataforma con ruedas sobre la que entraban varios personajes
· Mechane: grúa que se utilizaba para el "deus ex machina"
· Theologeion: púlpito para la intervención de los dioses
· Escalera de Caronte: descendía a los infiernos
· Bronteion: recipiente con piedras para imitar truenos

En el teatro medieval la maquinaria teatral contribuye al efecto maravilloso e ilusionista del teatro religioso con complicados artilugios escenográficos.

Cuando el medio escénico no está muy desarrollado, como en el corral de comedias, se introduce indicaciones en el texto de los actores sobre el lugar de la acción para que el espectador oiga y se imagine lo que no puede ver.

En el Renacimiento la escenografía consiste en pintar decorados en perspectiva sobre un telón de fondo, técnica que se explota ampliamente durante el barroco y en el teatro inglés de los siglos XVI y XVII.

Posteriormente se introducen elementos como el ciclorama o los escenarios cambiantes. En el siglo XVIII, aparecen las primeras observaciones sobre la falsedad escenográfica. Los partidarios de las tres unidades (acción, lugar y tiempo) critican los decorados simultáneos que pretenden "juntar en unos metros a Roma con París".

En el XIX, la escenografía agota las posibilidades de la figuración de la realidad. El triunfo de realismo y naturalismo llena los escenarios de objetos reales (muebles, cuadros, etc.) y convierte el escenario en fotografías de ambientes.

La renovación escénica del siglo XX abre paso a una nueva percepción del escenario como un espacio arquitectónico (tridimensional), no estático y libre de cualquier relación estrictamente realista.

En la actualidad el escenógrafo deja de ser un constructor de decorados para compartir con el director la responsabilidad de la puesta en escena, buscando convertir el espacio neutro de la representación en un espacio que traduzca plásticamente las intenciones del autor o el director.

 
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viernes, 11 de octubre de 2013

DICCIONARIO III



ACTUACIÓN: Arte de representar un papel en obras de teatro, cine o televisión.
La actuación es un arte que si bien no se lleva en la sangre, se puede aprender. Los actores son personas con características específicas que olvidan su rol en la vida diaria para centrarse en su rol de actuación, hasta tal punto que llega a parecer verídico su papel en dicha obra.

ACTUALIZACIÓN: Operación que consiste en adaptar un texto antiguo al tiempo presente, teniendo en cuenta las circunstancias contemporáneas, el gusto de un público nuevo y las modificaciones de la historia que la evolución de la sociedad hace necesarias. La actualización no altera el argumento central ni las relaciones entre los personajes. Sólo se modifican la atribución temporal y eventualmente el marco de la acción, el vestuario ...

ADAPTACIÓN: Puede tener dos acepciones:
·        ·    La primera trataría de transformar una obra literaria de género no dramático –narrativa, poética...- en una obra dramática. En este caso se suele respetar la esencia del relato y se le da estructura dramática para que pueda ser representada.
·      ·   Otra es la adaptación de un texto dramático. En este caso la transformación puede ser total incluso se llega a cambiar el sentido último de la obra original.

AFORAR: Ocultar, en la decoración teatral, cualquier parte del escenario que no deba quedar a la vista del público. Se suelen usar para ellos los bastidores o cualquier otro elemento decorativo
Las piernas laterales aforan las paredes laterales del foro; las bambalinas aforan la parrilla del telar , etc.
·           ·     Desaforar es descubrir cualquier elemento técnico por descuido o error de diseño de la escenografía.

ALEGORÍA: Una obra literaria en que los personajes representan ideas o conceptos, por ejemplo los  “Autos Sacramentales

ÁMBITO ESCÉNICO: El montaje de una obra dramática se realiza siempre en un ámbito escénico.
El ámbito escénico, por tanto, consta:
· del escenario donde actúan los cómicos
· del espacio donde se sitúan los espectadores

Los griegos crearon un tipo de ámbito escénico que luego, con algunas variaciones, heredaron los romanos. El teatro griego constaba de varias partes:
· La Orquesta (orkestra), situada en el centro, tenía forma semicircular y estaba destinada a los danzantes.
· La Escena (skene), situada frente al graderío limitando con la orquesta, consistía en un rectángulo alargado y angosto con uno o dos pisos cara al público que se levantaba como un palacio o templo.
· El Proscenio,  entre la escena y la orquesta se situaba el proscenio, más bajo que la primera y más alto que la segunda. En el proscenio representaban los actores.
· El graderío (koilon) se extendía escalonado desde la orquesta hasta la cima. Estos teatros estaban emplazados en la falda de una colina para aprovechar el desnivel. Su cabida era grande y su acústica perfecta, como se puede comprobar todavía. 

Estos espacios han estado sujetos a modificaciones a lo largo del tiempo, atendiendo al modo de vida, necesidad de otras comodidades, modas, distintas concepciones del teatro, capacidades técnicas, tecnológicas …..




ESTAS SON MIS FUENTES:

DICCIONARIO DEL TEATRO – Patrice Pavis


jueves, 10 de octubre de 2013

EJERCICIOS PARA TALLER I



A continuación inicio una recopilación de ejercicios para utilizar en talleres de teatro.

Los OBJETIVOS de estos ejercicios son:
desinhibición
espontaneidad
poder de concentración
flexibilización de la concentración
fluidez verbal y de concentración
capacidad de desarrollar ilusión de realidad
sentido del ridículo
estimular reflejos
potenciar la intuición
potenciar la capacidad de captación de estímulos externos
activar la compenetración entre actuantes
aguzar la espontaneidad expresiva
fomentar la habilidad para el cambio de situaciones
estimulación de la expresión verbal y corporal
comprensión gestual mutua, atención y sincronización
expresión de sentimientos con el rostro
expresión de acciones con todo el cuerpo
coordinación de grupo
desarrollar la capacidad de sugestión
acudir al subconsciente
probar la capacidad del cuerpo para recordar sensaciones
poner a prueba la capacidad de retentiva al tiempo que se está pendiente de la dramatización
establecer contacto entre los actuantes en la intercomunicación de sus actitudes
conocer la potencialidad expresiva que se oculta detrás de un cuerpo habituado a movimientos rutinarios.
EJERCICIOS:

TOMA DE CONTACTO CON EL LUGAR DE ACCIÓN Y LOS COMPAÑEROS:
Dos grupos, turnándose y observándose
  Caminar por todo el espacio procurando no dejar zonas vacías; variar los recorridos;procurar mirar con atención abarcando el mayor espacio posible; caminar relajados y en silencio
Primero, caminar todos haciendo lo mismo:
• caminar
• correr
• saltar
• gatear
• reptar
• actuar sucesivamente con una zona del cuerpo
• a todas estas actitudes se le pueden añadir múltiples varables:
               • el suelo está con agua, barro, nieve, hielo..., hace viento, está oscuro...
                con dolor en alguna parte del cuerpo, cansados, huyendo de alguien, están borrachos...

Segundo, cuando se crucen hacerlo:
• indiferentes
• detenerse frente a frente sosteniendose la mirada unos segundos (contar hasta 5)
• saludarse sin contacto:
 • correctamente
 • amablemente
 • cariñosamente
 • con pesar
 • con indiferencia
 • con desprecio
• saludarse con contacto:
 • con una mano
 • con la otra
 • con las dos
 • con las dos y un hombro
 • con las dos,un hombro y un pie
 • con una mano
• cogerse del brazo y caminar unos pasos juntos
Tercero, hacer el primer ejercicio por libre:
• a una señal congelar
• a una señal cambiar la actitud con el que esté más cerca


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miércoles, 9 de octubre de 2013

ESCENOGRAFÍA I


Definición de escenografía:
a) Arte y técnica de montar la escena teatral.

b) Conjunto de elementos que se añaden a un espacio teatral para reproducir un ambiente o crear un clima.
• Esta definición del diccionario es tan amplia, abarca tanta diversidad de elementos (decoración, luz, proyección, nuevas tecnologías ...) que abre un gran abanico de posibilidades al escenógrafo o a la persona que ha de ocuparse de crear ese clima y a los elementos que crea adecuados para situar el texto que se ha de representar.
• También es importante destacar que se habla de un espacio teatral, no de un escenario concretamente, eso quiere decir que una representación teatral se puede hacer en cualquier lugar: plaza pública, templo, estadio, teatro convencional ... 



• Sólo hay que saber conjugar los elementos (magnitudes, formas, infraestructura, vínculos...) de que dispone ese espacio escénico, las necesidades y carácter de la obra que se representa y nuestra personal visión de cómo consideramos apropiado crear esa escenografía para acompañar armónicamente la acción escénica.

• Todo eso quiere decir que tenemos las manos relativamente libres para poder hacer lo que nuestra fantasía, imaginación y posibilidades nos permitan para conseguir la creación adecuada..

• En la actualidad se entiende por escenografía todos los elementos visuales que conforman una puesta en escena. Sean estos:
               • corpóreos (decorado, accesorios)

               • de iluminación

          • de la caracterización de los personajes (vestuario, maquillaje, peluquería)

• ya sea la escenificación destinada a:
               • representación en vivo (teatro, danza)
               • representación cinematográfica, audiovisual, expositiva...
               • destinada a otros acontecimientos (conferencias, mitines)
               • etc.


ESTAS SON MIS FUENTES:

lunes, 7 de octubre de 2013

DICCIONARIO II


ACOTACIÓN: Cada una de las notas que se ponen en la obra teatral, relativas a la acción teatral, a la acción de los personajes y al servicio de la escena. Generalmente van en bastardilla y entre paréntesis.. 

ACTITUD: En el sentido físico, forma de poner y mantener el cuerpo en escena. Ello refleja la dimensión psicológica de enfocar un problema:
La actitud del actor es su posición respecto a la escena y a los otros actores (aislamiento, pertenencia al grupo, relación emocional con los demás)
Actitud de la puesta en escena (o el actor frente a su rol, del director frente al texto): es la forma de interpretar el texto y de mostrarlo en la puesta en escena y en la interpretación.

ACTO: Cada una de las partes en las que se divide una obra teatral, respondiendo a necesidades temporales o narrativas de la misma.
La división de la obra en tres actos es tardía, y se afianza durante el naturalismo. Durante el neoclasicismo solían ser cinco. El teatro isabelino no dividía en actos, sino en fragmentos menores llamados cuadros.//La pieza dividida en actos es una forma tardía del teatro europeo, que a su vez la heredó de la tragedia clásica y del drama burgués francés.
El cambio de acto, es señalado de muy diversas maneras en la historia del teatro occidental.
intervención del coro
caída del telón (a partir del siglo XVII)
cambio de iluminación u "oscuridad"
estribillo musical
carteles, etc.

ACTOR: 
Persona cuyo oficio es poner en acción o representar obras teatrales.
En la evolución del arte dramático, el actor precedió al dramaturgo y al teatro mismo y aún hoy continúa siendo el factor más importante en las representaciones escénicas.

• Puede postularse que nació en Grecia en el momento mismo en que algunos de los participantes de las danzas celebradas en honor a Dionisos empezó a distinguirse de sus compañeros.
A medida que se acentuó esta diferencia fueron apareciendo los dramaturgos, encargados de preparar papeles a estos actores incipientes.

Más tarde, a medida que las orgías religiosas fueron evolucionando hacia formas más parecidas a lo que hoy entendemos como drama, se presentó la necesidad del local de teatro , es decir, un lugar donde acomodar a los espectadores.
Los teatros griegos tenían capacidad para 20.000 personas, en ellos la acústica no era difícil; pero por el contrario, la percepción visual detallada resultaba dificultosa. Por lo cual los actores usaban calzados muy altos (coturno), no para agigantar su estatura, sino para que pareciese normal a la vista de los miles de espectadores que los contemplaban desde lo alto de las graderías. Para disimular las gruesas suelas de corcho de este calzado el actor solía usar vestidos que llegaban hasta el suelo.

Su gesticulación para ser percibida por el numeroso público, había de arrancar de los mismos hombros. Como la percepción de la expresión facial resultaba de todos modos imposible, se usaban , máscaras de tamaño exagerado que reflejaban el humor dominante de la escena. La máscara presentaba la boca abocinada a fin de dar mayor resonancia a la voz y se llamó "persona", de personare (resonar), nombre que se aplicó también al mismo papel.
En aquel teatro el principal recurso del actor consistía en la voz.

• En Roma los actores eran esclavos adiestrados para esta profesión. Algunos como Roscio adquirían la libertad en premio a su extraordinaria capacidad actoral.

Al desaparecer definitivamente en el siglo IV el mundo pagano, quedaron abolidas las representaciones teatrales durante casi mil años. Sin embargo, en los siglos medievales se encargaron de conservar más o menos vivo el teatro los bufones ambulantes que representaban números cómicos en las plazas públicas.

La profesión de actor era "mal vista" por la "buena sociedad", por ejemplo en Inglaterra estaban considerados legalmente como villanos y vagabundos. Para poder ejercer su profesión se veían obligados a solicitar la protección de algún noble. Hasta principios del siglo XX la profesión no comenzará a adquirir la relevante valoración y dimensión social que tiene en nuestros días.

 
ESTAS SON MIS FUENTES: